Die Grammys

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Vom sanften Summen von Carole Kings „It's Too Late“ bis zu GAYLES feuriger Wut auf „abcdefu“ fassen diese 15 Songs die expansiven Emotionen von Frauen zusammen, die problematische Ex-Partner in die Schranken weisen – weit hinter sich.

Seit der Veröffentlichung von SOUR im Jahr 2021 loben Kritiker und Hörer Olivia Rodrigo gleichermaßen für ihr Talent, die nachvollziehbaren Nöte der Jugend und die Fallstricke einer allzu heftigen Verliebtheit eloquent darzustellen. Ihre neueste Single „Vampire“ ist nicht anders.

Obwohl sie ihren „Führerschein“ als Teenager-Liebhaber gegen einen älteren Mann eingetauscht hat, bleibt der perfekt umgesetzte Ausdruck der Qual bestehen. Während Rodrigo im Refrain jammert: „Du hast mich so naiv aussehen lassen/ Die Art, wie du mich für Teile verkauft hast/ Wie du deine Zähne in mich hineinsaugst/ Blutsauger, Ruhm/ Hält mich trocken wie ein Vampir.“

Aber bevor es Rodrigo gab, gab es Avril Lavigne, Taylor Swift und Alanis Morissette – ohne die Pioniere des tagebuchartigen Songwritings, Carole King und Carly Simon, wären sie nicht da, wo sie waren. Dank der Verewigung ihrer Musik können wir den Wandel von der poetischen Enthüllung von Verletzungen, die King in „It's Too Late“ veranschaulicht, zu reuelosen, geradlinigen Sticheleien (wie Kate Nash in „Foundations“ sagt: „Don't want“) noch einmal miterleben in dein Gesicht zu schauen, weil es mich krank macht") und erschütternde Schlachtrufe (während Miley Cyrus brüllt: „Ich kam herein wie eine Abrissbirne").

Sehen Sie sich im Folgenden 15 Lieder selbstbewusster Frauen von 1971 bis 2021 noch einmal an, die mit ihren inbrünstigen Sätzen der Verdammnis die Trennungserzählung wieder aufleben ließen – denn, wie das uralte Sprichwort sagt, hat die Hölle keine Wut wie eine verachtete Frau.

Als Carole King 1971 „It's Too Late“ veröffentlichte, markierte dies eine neue Ära des Songwritings. Diskussionen über eine Scheidung waren im Allgemeinen unbekannt, vor allem aber, wenn sie von einer Frau initiiert wurden. Dennoch veröffentlichte King ohne jede Entschuldigung „It's Too Late“, das später einen GRAMMY für die Schallplatte des Jahres gewann und vom Rolling Stone als einer der 500 größten Songs aller Zeiten gelobt wird.

Auf diesem folkigen Track zeichnet sich die unausweichliche Trennung zwischen King und ihrem Mann ab, aber sie ist nicht per se nachtragend. Vielmehr beunruhigt sie die wachsende Unzufriedenheit ihres Mannes und gibt zu: „Ich komme mir wie ein Idiot vor.“ Und an diesem Punkt ist sie bereit, weiterzumachen und kann für die gemeinsame Zeit dankbar sein.

In ihrem Hit aus den 70er-Jahren erzählt Carly Simon die Geschichte eines arroganten Mannes, der glaubt, jede Frau sei von seiner Aura verzaubert. Aber die Volkssängerin möchte deutlich machen, dass sie von seinen ausgeschmückten Geschichten und seinem luxuriösen Kleiderschrank nicht beeindruckt ist.

Normalerweise lässt sich das Thema eines Trennungsliedes leicht erraten, aber „You're So Vain“ hat jahrzehntelange Spekulationen ausgelöst. Viele gingen davon aus, dass es sich um James Taylor handeln könnte, den Simon 1972 heiratete und von dem sich 1983 scheiden ließ, oder um Mick Jagger, der den Gesang für das Stück lieferte (eine Theorie, die später widerlegt wurde). Bis heute hat sie die Inspiration des Tracks nur wenigen Auserwählten offenbart, darunter Taylor Swift, die Simon als eines ihrer Vorbilder nennt.

Joan Jett ist ihr schlechter Ruf vielleicht egal, aber sie verachtet nichts mehr, als dass ihr Ex-Liebhaber sie wie eine liebeskranke Idiotin aussehen lässt.

Auf „I Hate Myself for Loving You“ legt sich die Chanteuse aus den 80ern auf einen klassischen Glam-Rock-Beat und offenbart damit ihre Verachtung für einen Mann, der sie vernachlässigt hat. Jett ist ihres Stolzes beraubt und fängt an, sich darüber zu ärgern, dass sie an ihren Gefühlen festhält – wie der Titel des Liedes zeigt.

Sie versucht, ihre inneren Wünsche zu verbergen („Ich möchte gehen, aber ich renne zu dir zurück“), schafft es aber letztlich nicht, die Gefühle loszuwerden, und lässt sie von der süßen Gerechtigkeit träumen, ihn eines Tages wieder gefangen zu nehmen, nur um verlasse ihn.

Es ist unmöglich, über vernichtende Trennungslieder zu sprechen, ohne Alanis Morissettes typische Herzschmerz-Hymne „You Oughta Know“ anzuerkennen. Zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung enthielt die Single „Jagged Little Pill“ einige der ehrlichsten und bissigsten Texte, die es gab.

Morissette beginnt mit einer illusorischen Aussage: „Ich möchte, dass du weißt, dass ich mich für dich freue“, die im zweiten Vers in die Offenbarung mündet: „Mir geht es nicht ganz so gut, das solltest du wissen.“ Während sie in ihrem beichteigsten Moment gipfelt, steigert sich das Instrumental zu einem süchtig machenden Aufruhr, wobei Morissette die Gedanken offenbart, die die meisten von uns zu peinlich wären, um sie zuzugeben: „Es war ein Schlag ins Gesicht, wie schnell ich ersetzt wurde/ Und denkst du?“ von mir, wenn du sie fickst?“

Shania Twain hat die besondere Superkraft, jeden ihrer Texte mit einem Hauch von Unbeschwertheit und Selbstvertrauen vorzutragen. Wenn man also einen Titel wie „That Don't Impress Me Much“ hört, ist ihre Enttäuschung und Verärgerung nicht spürbar.

Ein kurzer Blick auf Twains Geschichte zeigt, dass sie – trotz der schwungvollen Melodien des Liedes – von der Beschäftigung ihres Ex mit seinem Fahrzeug, seinem Aussehen und seiner Intelligenz abgestumpft ist. Sicherlich mag er auf dem Papier perfekt sein, aber ihm fehlen die Qualitäten eines Liebhabers für immer, und sein unverdientes Ego sollte echten Größen wie Elvis Presley und Brad Pitt vorbehalten bleiben.

In der Eröffnungsstrophe von „Are You Happy Now?“ fleht Michelle Branch: „Nein, geh nicht einfach weg/ Tu so, als wäre alles in Ordnung und ich interessiere dich nicht.“ Zuerst kann sie nicht glauben, dass ihr einstiger Verehrer sie schnell abweisen würde, aber als sie den Refrain erreicht, beginnt sie sich zu fragen, ob seine Handlungen die ganze Zeit über eine Lüge waren.

Ihre Gedanken rasen, Branch schwankt zwischen schamlosen Fragen wie „Haben Sie wirklich alles, was Sie wollen?“ und „Könnten Sie mir in die Augen schauen und mir sagen, dass Sie jetzt glücklich sind?“ Aber am Ende des Liedes bekommt sie die befriedigendste Antwort von allen – Frieden ohne ihn: „Ich werde nicht brechen/ Weil ich jetzt glücklich bin.“

In „My Happy Ending“ greift die Pop-Punk-Expertin der 2000er Jahre, Avril Lavigne, nach den Scherben einer zerbrochenen Beziehung und versucht herauszufinden, wo alles schief gelaufen ist. Sie könnte das „Falsche“ gesagt haben, oder die unpassenden Freunde ihres Partners hätten negativ über sie gesprochen. Aber eines weiß sie mit Sicherheit: Es gibt keine Möglichkeit, die Scherben wieder aufzusammeln.

Um sich mit der Wahrheit auseinanderzusetzen, richtet Lavigne ihre Wut auf die andere Person, weil sie ihr das märchenhafte Ende genommen hat, und würdigt ihn sarkastisch für die gemeinsame Zeit an einem düsteren Klavier: „Es ist schön zu wissen, dass du da warst/ Danke, dass du dich so benimmst.“ Sorge/ Und mir das Gefühl geben, der Einzige zu sein.

Kelly Clarkson hat fast alle Emotionen in der Liebe durchgemacht, von ihren epischen Trennungshymnen wie „Behind These Hazel Eyes“ bis hin zu ihrer jüngsten LP-Chemie. Aber „Gone“ ist vielleicht ihr bislang unerbittlichster Song.

Das gleichnamige „Gone“, das von seinem Breakaway-Pendant „Since U Been Gone“ eingeleitet wurde, erweitert Clarksons Heilungsreise – dieses Mal mit einer expliziteren und erwachseneren Schmähschrift gegen die Figur ihres Ex. Anstatt triviale Angriffe zu verwenden, beschließt Clarkson stattdessen, seine Annahme zum Ausdruck zu bringen, dass sie in seine Arme zurücklaufen würde, und erklärt später ein Ende ihrer Duldung: „Es gibt nichts, was du sagen kannst/ Tut mir leid, das reicht nicht, Baby/ Nimm das.“ Schlag zu und geh weg, denn ich bin weg.

Mit „Smile“ bekommt Lily Allen ihre süße Rache durch den Anblick der Tränen und des Unglücks ihrer ehemaligen Flamme. Aber der Text von Allens bahnbrechender Single verdeutlicht nicht genau die Einzelheiten ihrer Eskapaden, sondern lediglich eine Erklärung für deren Ursprünge.

Nachdem ein Betrugsskandal ihre Beziehung beendet, verschlechtert sich ihre geistige Gesundheit – bis er zurückkriecht, um ihre Gnade zu erbitten. Als sie seine Bitten hört, kommt sie zu der Erkenntnis: „Wenn ich dich weinen sehe, muss ich lächeln.“ Und wie das hinterhältige Musikvideo zeigt, bekommt jeder, der sie betrügt, sein Karma – vielleicht in Form von organisierten Einbrüchen, Schlägen und einem Abführmittel, das in seinen Morgenkaffee gestreut wird.

Kate Nash tritt in die Fußstapfen ihrer Mentorin Lily Allen und schildert anschaulich die Tragödie des Liebesverlusts, die durch ihre klaren Texte prismatisch wird („Dein Gesicht ist teigig, weil du so kaputt gegangen bist, was für eine Überraschung.“ !") und ihrem charmanten, starken Londoner Akzent.

In dieser Geschichte hat sich Nash noch nicht ganz von den Fesseln ihrer gescheiterten Beziehung befreit. Tatsächlich würde sie es gerne retten, trotz der Tendenz ihres Freundes, sie zu demütigen, und ihres unwiderstehlichen Drangs, mit einem sarkastischen Kommentar zu antworten. Am Ende des Tracks wird Nash immer unruhiger und ersinnt neue Wege, um ihm Unannehmlichkeiten zu bereiten – aber am Ende fragt er sich immer noch, ob es irgendeine Rettung gibt, um ihren einst glühenden Funken aus Angst vor der Einsamkeit zu bewahren.

In dem Jahr, in dem P!nk „So What“ schrieb, hatte sie bereits eine Schar von Platin-Singles auf dem Konto. Mit einem glänzenden sozialen Status und einer auf dem Höhepunkt ihrer Karriere stehenden Karriere reagierte sie gleichgültig auf die vorübergehende Trennung von ihrem jetzigen Ehemann Carey Hart. P!nk spürte die Höhen des neuen Singledaseins und war bereit, persönliche Tyrannei zu schüren, sei es, dass sie Harts Miete nicht zahlte, ihr Geld trank oder einen Streit anzettelte.

Ironischerweise tritt Hart in dem Musikvideo als Antagonist auf, was P!nk auf ihrer offiziellen Fan-Website als Beweis für ihre Entwicklung verriet: „Carey hatte das Lied nicht gehört, bevor er das Video gemacht hat. So sehr vertraut und liebt er.“ „Ich... Er versteht es. Er versteht mich“, sagte sie.

Taylor Swift hat sich seit langem als amtierende Königin der Liebeslieder etabliert, von Balladen, die die engagiertesten Beziehungen würdigen, bis hin zu Dissidententiteln herzzerreißender Affären zwischen Teenagern. Letzteres beherbergt einen der frühesten (und angesagtesten) Hits in Swifts umfangreichem Katalog: „Picture to Burn“.

In dieser täuschend fröhlichen Melodie schwört Swift, sich an einem Freund zu rächen, nachdem er sie verlassen hat, um mit einem ihrer Freunde auszugehen – vom Treffen mit seinen Freunden bis hin dazu, dass ihr Vater ihm seine Meinung sagt. Und nebenbei wird sie gerne ein paar Beleidigungen austeilen: „Du bist ein herzzerreißender Redneck, der wirklich schlecht lügen kann/ Also sieh mir zu, wie ich mit all meiner verschwendeten Zeit ein Streichholz anzünde/ Was mich betrifft, bist du es.“ nur ein weiteres Bild zum Verbrennen.

Miley Cyrus schloss mit „Wrecking Ball“ ihre Hannah-Montana-Tage ab und sah den Popstar aus Kindertagen in ihrem bisher erwachsensten und verletzlichsten Zustand. Monate vor der Veröffentlichung hatte Cyrus ihre Verlobung mit ihrem langjährigen Freund Liam Hemsworth gekündigt und damit den Weg für ihren überwältigenden Auftritt auf der Bangerz-Single geebnet.

Genauso beeindruckend wie Cyrus‘ kraftvoller Gesang ist das ikonische Musikvideo des Titels. Cyrus erreicht ihren Höhepunkt mit einem ohrenbetäubenden Schrei – „Du hast mich nur ruiniert“ –, während sie auf einer echten Abrissbirne über den Bildschirm schwingt und alle ihre physischen und metaphorischen Mauern niederreißt.

Mitte der 2010er-Jahre hatte die Branche die Angst im Gegenzug für Wohlfühl-EDM und Trap-Beats in den Hintergrund gedrängt. Zumindest bis Halsey das Bild betrat.

Nach nur zwei Jahren im Rampenlicht hatte Halsey eine lebendige Mischung klanglicher Melodramen kultiviert – vom Dreck und Dreck giftiger, gescheiterter Liebe auf den Tracks „Bad at Love“ und „Colors“ bis hin zur Bonnie-und-Clyde-artigen hitzigen Leidenschaft von „ Er und ich.

Im Jahr 2020 rundete Halsey ihre Diskografie mit dem genreübergreifenden, introspektiven Manic ab, in dem ein Titel wie „You Should Be Sad“ mit sachlichen, rachsüchtigen Kommentaren Ihre Aufmerksamkeit erregt: „Ich bin so froh, dass ich es nie getan habe.“ ein Baby mit dir/ Denn du kannst nichts lieben, es sei denn, es ist etwas für dich dabei.

Im Gegensatz zu den meisten Liebesliedern weigert sich GAYLE, ihre Wut auf „abcdefu“ ausschließlich auf ihren Herzensbrecher zu richten. Stattdessen wütet der damals 16-jährige Sänger mit einer sengenden Melodie und einer bezaubernden Basslinie gegen seine Mutter, seine Schwester und so ziemlich jeden (und alles), mit dem er in Verbindung steht – außer seinem Hund.

Anfang des Jahres verriet GAYLE gegenüber GRAMMY.com, dass sie „wütend auf ihn und wütend auf die Menschen war, die ihn und sein Verhalten ermöglicht haben“. Diese Feindseligkeit war in „abcdefu“ spürbar und erzeugte eine ebenso kraftvolle wie kathartische Magie – und bewies, wie viele Lieder davor, dass im Schmerz Macht stecken kann.

Hinter den Kulissen der Eras-Tour: Taylor Swifts Eröffnungsacts enthüllen die Magie des sensationellen Konzerts

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Pop-Superproduzent Jon Bellion ist der Mann hinter Tori Kellys neuer Folge „Tori“, aber er ist seit mehr als einem Jahrzehnt auch an unzähligen Hits beteiligt. Hören Sie sich neun der größten Songs von Bellion an, von Eminem bis Jonas Brothers.

Wenn Ihnen der Name Jon Bellion bekannt vorkommt, liegt das wahrscheinlich an seiner Single „All Time Low“ aus dem Jahr 2016. Mit seinem unerbittlichen „Low-Low-Low-Low-Low“-Refrain landete die elektronische Pop-Konfektion Bellion seinen ersten großen Hit – als Solokünstler jedenfalls.

Bevor Bellion mit seiner Debüt-Solosingle den Durchbruch schaffte, hatte er sich hinter den Kulissen bereits einen Namen gemacht, indem er Songs für Größen wie Eminem, Jason Derulo, Zedd und CeeLo Green schrieb und produzierte. Und in den sieben Jahren, seit „All Time Low“ zu einem Top-20-Hit wurde, feierte er zahlreiche weitere Hits mit einigen der größten Popstars von Christina Aguilera bis Justin Bieber.

Allein in diesem Jahr arbeitete er mit den Jonas Brothers zusammen, um deren aussagekräftiges Album „The Album“ zu produzieren, und half bei der Gestaltung von „Middle Ground“ von Maroon 5 – das voraussichtlich die Lead-Single des bevorstehenden achten Studioalbums der erfahrenen Pop-Rocker sein wird – und tat sich mit Switchfoot für ein Orchester-Update 2023 der Breakout-Single der Band aus dem Jahr 2003 „Meant to Live“ zusammen.

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Bellions neueste Arbeit ist auf Tori Kellys neuer, selbstbetitelter EP „Tori“ zu hören, die am 28. Juli erschien. Neben der Produktion des Projekts begleitete Bellion Kelly bei einem magnetischen, elektro-angehauchten Track mit dem Titel „Young Gun“. Bei der Veröffentlichung der EP bemerkte Kelly selbst den Einfluss von Bellion und nannte ihre Zusammenarbeit „den Beginn von etwas ganz Besonderem“.

Werfen Sie zu Ehren von Bellions neuestem Projekt einen Blick auf neun Songs, von denen Sie vielleicht nicht wussten, dass sie Bellions charakteristische Note enthalten – ein Wegweiser auf seinem Weg zu einem der gefragtesten Produzenten der Gegenwart.

Einer der ersten Hits von Bellion kam mit freundlicher Genehmigung von Eminem – nun ja, und Bebe Rexha. Die Popsängerin schrieb den düsteren Hook des Titels während der Arbeit an ihrem Debütalbum, doch später gelangte er zu Eminem und verwandelte sich schließlich in seine vierte Zusammenarbeit mit Rihanna. Der Song wurde nach „Love The Way You Lie“ aus dem Jahr 2010 die zweite Nummer-1-Kollaboration des Duos und bleibt einer der größten Hits in Bellions Karriere.

Jason Derulo arbeitete ausschließlich mit Bellion an diesem Top-20-Hit aus seinem Album „Tattoos“ aus dem Jahr 2013, das später als „Talk Dirty“ aus dem Jahr 2014 neu verpackt wurde. Basierend auf einer unwiderstehlichen Bläserlinie aus, ja, im wahrsten Sinne des Wortes, haben Bellion und Derulo eine beschwingte, kokette Symphonie zusammengestellt, um die Liebe des R&B-Sängers sanft zum Objekt zu machen, und schaffen es, innerhalb von nur drei Minuten Drop Coldplay, Katy Perry und Kanye West zu nennen und siebenunddreißig Sekunden.

Bellion kümmerte sich um die Produktion von Christina Aguileras heftiger Zusammenarbeit mit Demi Lovato aus dem Jahr 2018, „Fall in Line“, von deren 2018er LP Liberation. Hinter den Brettern fing Bellion wirkungsvoll die ganze feministische Wut und Ermächtigung ein, die die beiden Gesangs-Kraftpakete in ihren Texten zum Ausdruck brachten, indem sie ihre höhnischen Vocals mit einer vampirischen Streichergruppe, rasselnden Ketten und einem roboterhaften männlichen Oberherrn kombinierten, der vergeblich forderte: „März, zwei, drei.“ , richtig, zwei, drei/ Halt deinen Mund, strecke deinen Arsch für mich raus.

„Fall in Line“ erhielt bei den GRAMMYs 2019 eine Nominierung für die beste Pop-Duo-/Gruppen-Performance und markierte damit Aguileras zwanzigste Karriere-Nominierung und Lovatos zweite.

Zum Auftakt ihres siebten Albums „JORDI“ engagierten Maroon 5 Bellion als Co-Autor der Lead-Single „Memories“. In der sanften Ballade trauert Frontmann Adam Levine um den Verlust eines Freundes und schüttet eine beschwingte Reggae-Pop-Linie aus, die geschickt Johann Pachelbels „Kanon in D-Dur“ sampelt. Während der von Herzen kommende Song dem langjährigen Manager der Band (und Namensgeber der LP) Jordan Feldstein gewidmet ist, der 2017 auf tragische Weise an einem Blutgerinnsel verstarb, verhalf ihm die nachvollziehbare Stimmung von „Memories“ zu Platz 2 der Hot-Charts 100.

Zusätzlich zu „Memories“ arbeitete Bellion mit der Band auch an zwei weiteren Songs von JORDI und war Co-Autor der vierten Single „Lost“ sowie der Zusammenarbeit von Anuel AA und Tainy „Button“. Drei Jahre später kam er wieder mit der Band zusammen, um gemeinsam mit Künstlern wie Andrew Watt und Rodney Jerkins ihre neueste, ebenso heikle Single „Middle Ground“ zu schreiben und zu produzieren.

Miley Cyrus startete voller Elan mit ihrem vom Glam-Rock inspirierten Album „Plastic Hearts“ auf der Rückseite von „Midnight Sky“, einem kompromisslosen Unabhängigkeitsbekenntnis nach der Trennung von ihrer langjährigen Liebe Liam Hemsworth. Die von sinnlichen Synthesizern durchdrungene Power-Ballade orientierte sich an den Rock-Ikonen der 80er Jahre wie Joan Jett, Debbie Harry und Stevie Nicks.

Der Sound war für Cyrus völlig neu – und das ist eines von Bellions Werkzeugen, wenn er zum ersten Mal mit einem neuen Superstar zusammenarbeitet. In einem Billboard-Interview im Jahr 2023 verglich er seinen Ansatz mit der Erfindung einer neuen Art von Fahrgeschäft für den jeweiligen A-Prominenten. „Sie haben bereits einen fantastischen Themenpark gebaut: Millionen von Menschen besuchen ihn und erleben ihre Achterbahnen“, sagte er. „Sie beauftragten mich mit der Umgestaltung oder Schaffung eines neuen Abschnitts des Themenparks und überließen mir die Leitung des Ganzen.“ Der neue Stil kam Cyrus zugute und bescherte Bellion einen weiteren Top-20-Hit in den Hot 100.

Bellions Fingerabdrücke sind überall auf Justin Biebers Album Justice aus dem Jahr 2021 zu finden, insbesondere mit der von Chance the Rapper unterstützten Lead-Single „Holy“, die er sowohl mitgeschrieben als auch mitproduziert hat. Der Superproduzent trug zu sechs weiteren Songs auf der Pop-LP bei – darunter dem Pop-Radio Nr. 1 „Ghost“, das von Bellions verstorbener Großmutter inspiriert wurde – sowie zu drei Deluxe-Tracks. Und obwohl Bellion keine nennenswerten Auftritte hatte, ist seine Stimme immer noch zu hören: Bei sieben der Songs sorgte er für den Hintergrundgesang.

Justice brachte Bellion seine allererste GRAMMY-Nominierung ein, da das Projekt bei den GRAMMYs 2022 für das Album des Jahres nominiert wurde (Bieber erhielt außerdem sieben weitere Nominierungen).

Bellion arbeitete erstmals mit Selena Gomez am Rare-Album „Vulnerable“ an der Seite von Amy Allen, Michael Pollack und The Monsters & Strangerz zusammen. Zwei Jahre später kam das gesamte Team für den Titelsong der Apple TV+-Dokumentation My Mind & Me des Popsängers wieder zusammen.

Bellion und Co. half Gomez dabei, die bisher verletzlichste Seite ihrer Psyche noch weiter zu erschließen. In „Vulnerable“ ließ Gomez mit neuer Flamme ihre Deckung fallen, aber „My Mind & Me“ erlaubte ihr, ihre Reise zur psychischen Gesundheit völlig offenzulegen. „Manchmal fühle ich mich wie ein Unfall, die Leute schauen, wenn sie daran vorbeifahren. Schauen Sie nie nach dem Passagier, sie wollen nur die kostenlose Show“, singt sie. „Ja, ich versuche ständig, gegen etwas zu kämpfen, das meine Augen nicht sehen können“, über Ersatzgitarre und Klavier.

Nach dem Erfolg ihres 2019 erschienenen Comeback-Albums „Happiness Begins“ mit Produzent Ryan Tedder rekrutierten die Jonas Brothers Bellion, um die Leitung des 2023 erschienenen Nachfolgers „The Album“ zu übernehmen. Der Produzent half den Geschwistern, die Hits machten, eine neue Facette ihres Pop-Rock-Sounds zu erschließen, indem er sich von der Musik der 70er Jahre inspirieren ließ, mit der ihr Vater sie großgezogen hatte. (Wie Joe Jonas GRAMMY.com bei der Veröffentlichung des Albums sagte, sagte Bellion „genau das, was wir uns erhofft hatten“, als sie sich zum ersten Mal trafen, um über Ideen nachzudenken.)

Während Bellion an jedem Song des Albums beteiligt war, ist die zweite Single „Waffle House“ die jüngste, die ihm und Jonas Brothers einen Top-15-Hit im Pop-Radio eingebracht hat. Bellion fungiert auch als einziger vorgestellter Künstler auf dem Album, der für den bombastischen Abschluss „Walls“ hinter den Banden hervorkommt und in die Gesangskabine tritt.

Dank Justin Bieber kam Tori Kelly zum ersten Mal mit Bellion in Kontakt, als das Paar mit den Biebs an dem zarten Bonusstück „Name“ aus den Justice-Sessions arbeitete. Als es an der Zeit war, mit ihrer selbstbetitelten EP „Tori“ eine neue Ära einzuläuten, wandte sich die Sängerin an Bellion, um ihre Vision zum Leben zu erwecken.

Auf der Lead-Single „missin u“ wirft die zweifache GRAMMY-Gewinnerin die gitarrengetriebenen Singer/Songwriter-Vibes ihrer früheren Arbeiten über Bord und setzt stattdessen auf einen eleganten R&B-Sound, der an die frühen 2000er Jahre erinnert. Der klangliche Gangwechsel passt perfekt zu ihrer geschmeidigen Stimme, während sie eine Romanze nachspielt, die „in meinem Zimmer lila Himmel regnen ließ“. Irgendwie gelingt es Kelly sogar, die Gesangsakrobatik von „missin u“ mit einem wahnsinnig brillanten „R&B-Edit“ zu übertreffen, der der Single noch mehr Ebenen, Soul und Gesangsschnörkel verleiht.

„Als ich anfing, mit Jon Bellion zu arbeiten, kratzten wir gerade erst an der Oberfläche eines neuen Sounds, der sich wirklich wie mein eigener anfühlte“, erklärt Kelly in einem Video zur Feier der Veröffentlichung ihrer selbstbetitelten EP „Tori“. „Ich weiß, dass ich diese Zusammenarbeit als den Beginn von etwas ganz Besonderem betrachten werde.“ Was Bellions Gedanken zu seinem neuesten Projekt betrifft? „Tori Kelly ist die größte Sängerin aller Zeiten!“

Ariana Grandes musikalische Weiterentwicklung in 15 Titeln, von „The Way“ bis „Positions“

Fotos (LR): Natasha Moustache, Natasha Moustache, Scott Eisen, Octavio Jones, Octavio Jones; Alle Fotos TAS23/Getty Images für TAS Rights Management

Interview

Jeder ist besessen von Taylor Swifts riesiger Stadiontour – einschließlich ihrer Vorbands. Vom Indie-Popstar Gracie Abrams bis zur GRAMMY-Nominierten GAYLE: Hören Sie Backstage-Erinnerungen und Reflexionen von den Menschen, die direkt vor dem Superstar die Bühne betreten.

Zu sagen, dass Taylor Swifts Eras Tour alle in Staunen versetzt, wäre eine Untertreibung.

Es klingt unmöglich, eine 17-jährige Diskographie, die so ikonisch ist wie die von Swift, in einer Show zusammenzufassen, aber der Star hat bewiesen, dass keine Aufgabe zu entmutigend für sie ist. Und während sie bereits zuvor mit Leichtigkeit Stadien erobert hat, übertrifft The Eras Tour mit ihrer umfassenden dreistündigen Setlist, der Produktion auf hohem Niveau und dem kraftvollen Pathos ihre bisherigen Konzerte: Ihre weltweite Pracht ist pure Magie.

Swifts neueste Tour, die seit März Hunderttausende Menschen verzaubert, ist ebenso entzückend wie einflussreich und bietet eine vollkommen zufriedenstellende Mischung aus Nostalgie und Überraschungen in echter Swift-Manier. Obwohl sich die Musikerin technisch gesehen in ihrer Midnights-Ära befindet, ist die Feier ihrer bemerkenswerten Karriere zweifellos historisch – und sie ist entschlossen, diesen Moment auf ihrer Reise um den Globus mit anderen Künstlern zu teilen.

Die Eras Tour hat eine Kohorte aufstrebender und etablierter Stars vorgestellt, von den 2000er-Rock-Klassikern Paramore bis hin zu Indie-Rockern wie Beabadoobee und Phoebe Bridgers. Sie alle verfügen über den gleichen Funken Charme und Kreativität, der Swift zu einer Sensation gemacht hat, und sie teilen auch die Leidenschaft für ihre geliebte Diskographie. Um zu verstehen, wie es ist, bei einer so historischen Tour mitzuwirken, hat GRAMMY.com mit einigen von Swifts Vorbands über Auftritte vor ausverkauften Stadien gesprochen.

„Ich habe eine Träne vergossen, weil ich wusste, dass Taylor wirklich an mich geglaubt hat“, sagte OWENN, der 1989 Ersatztänzer auf Swifts Tour war, über seine Einladung, die Tour zu eröffnen.

Von besonderen Offenbarungen bis hin zu urkomischen Backstage-Momenten nehmen uns OWENN und seine Opener-Kollegen Gracie Abrams, beabadoobee, girl in red und GAYLE mit auf ihre Eras-Tour-Reisen – bis zurück zur allerersten Nacht.

Diese Interviews wurden aus Gründen der Länge und Klarheit bearbeitet.

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Erzählen Sie uns von dem Moment, als Ihnen ein Eröffnungsslot für die Eras Tour angeboten wurde. Was hat Ihnen die Einladung bedeutet?

Gracie Abrams: Bevor ich jemals von meinen eigenen Shows geträumt habe, habe ich davon geträumt, mit Taylor auf Tour zu gehen … Die Einladung, an der Eras Tour teilzunehmen, kam mir wie der größte Streich aller Zeiten vor. Ich dachte: „Das kann nicht stimmen …“

Es ließ meine Welt stehen bleiben und ich konnte das Ausmaß dieser Ehre einfach nicht fassen. Ich kann es immer noch nicht glauben, zwei Monate nachdem ich die Tour gespielt habe. Es ist aus jedem Grund und in jeder Hinsicht das Beste.

OWEN:Mir wurde ein Platz bei The Eras angeboten, als ich auf Tour war und für Lil Nas

beabadoobee : Ein ernster Kneifmoment! Es war Ende letzten Jahres, ungefähr zu der Zeit, als ich im Dezember „Jimmy Fallon“ aufführte, und ich sprach mit meinem Manager darüber, als Hauptsupport bei Taylors Tour dabei zu sein. Komisch, denn vor Jahren habe ich ein Interview geführt und erwähnt, dass sie die Künstlerin meiner Träume wäre, mit der ich auf Tour gehen würde. Ich war begeistert, Teil ihrer Eras Tour zu sein.

Mädchen in Rot: Ich war so begeistert, als mir angeboten wurde, als Vorband der Eras Tour aufzutreten! Ich war noch nie bei einer Stadionshow, geschweige denn dort, und die Tatsache, dass mein Lieblingskünstler mich eingeladen hat, ist einfach das Coolste.

GAYLE: Meine Managerin und ich – Kristina Russo, die seit meinem 14. Lebensjahr meine Managerin ist – waren in meinem Hotelzimmer, als sie einen Anruf erhielt und ihr ein formelles Angebot mit allen Terminen vorlegte. Wir weinten, sprangen herum und umarmten uns.

Mein Manager und ich überraschten dann [meine Bandkollegen] mit dem Schrei „Wir eröffnen für Taylor Swift!“ und sie waren schockiert! Wir umarmten uns alle und weinten, und ich bekam zwei Eistorten von Uber Eats in mein Hotelzimmer geliefert, und wir aßen sie alle mit Plastikgabeln auf dem Boden. Es war wirklich einer der besten Tage überhaupt!

Es war eine große Ehre, zu dieser Tour eingeladen zu werden. Ich weiß, dass sie diese Entscheidung nicht auf die leichte Schulter nimmt, daher ist es das Beste, ein Teil davon zu sein.

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Begleiten Sie mich durch Ihre erste Nacht auf der Tour. Was ging Ihnen durch den Kopf? Wie war die Energie?

Abrams: Ich erinnere mich nur noch daran, wie ich am ersten Tag der Tour zum Soundcheck ins Stadion ging und weinte und lachte, als ich meine Stimme aus der Lautsprecheranlage hörte. Es fühlte sich verrückt an, um ehrlich zu sein, ich kam mir verrückt vor.

Aber als wir dann die Bühne betraten, ging es plötzlich nur noch um die Gemeinschaft der Menschen, die überaus engagierten eingefleischten Fans, die umwerfend und funkelnd aussahen und ihren Outfits treu blieben – es ging darum, Taylors Vermächtnis zu feiern. Es war, als ob jeder im Raum das Gewicht spüren konnte. Ich empfand die größte Dankbarkeit und sprudelte auch innerlich vor Vorfreude, ihre Show auf dieser Tour zum ersten Mal zu sehen.

OWEN: Die erste Nacht auf Tour war der Wahnsinn! Ich habe so viel geprobt und wirklich hart trainiert, aber nichts hätte mich auf dieses Maß an Energie und Intensität vorbereiten können ... von meinem Gesang bis zu meinem Tanz vor all diesen Leuten. Es war definitiv ein surrealer Moment. Elektrisierend!

beabadoobee : Ehrlich gesagt jede Emotion. Ich war extrem aufgeregt bis verängstigt, wollte mich am liebsten übergeben und war dann wieder voller Tatendrang, um da rauszukommen.

Die Energie war unglaublich – die Stadien, die Bühne, die Crew und die Fans waren alle so unterstützend. Ich habe immer ein paar Fans dabei erwischt, wie sie zu meinen Liedern sangen und tanzten; das hat mich wirklich überrascht!

Mädchen in Rot: Ich erinnere mich, dass ich am ersten Tag, an dem wir spielten, zum Soundcheck auf die Bühne ging und wirklich nervös wurde, weil sie später spielen sollte, weil sie so groß war. Ich hatte Angst, ich könnte die Worte vermasseln und mich lächerlich machen, aber zum Glück lief es gut!

GAYLE: Es war eine große Ehre, den ersten Abend der Eras-Tour zu eröffnen, und ich hatte solche Angst. Ich habe eine Million Mal in meinem Hotelzimmer geübt, weil ich große Angst hatte, die Setlist zu vergessen. Ich ließ meine ganze Familie und die Familie meines besten Freundes zu den ersten beiden Shows in Arizona gehen. Außerdem wollte ich zufälligerweise wirklich, wirklich, wirklich, dass mein Bruder denkt, dass ich einen guten Job gemacht habe.

Alle im Publikum waren so aufgeregt, die Tour zu beginnen, und so viele Leute hatten Taylor schon so lange nicht mehr live gesehen! Es war ein so nettes Publikum, es herrschte so viel Aufregung und Energie. Es wird für immer eine Erinnerung sein, die mir sehr am Herzen liegt.

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Wie schneidet diese Tour im Vergleich zu anderen Touren ab, an denen Sie teilgenommen haben? Was macht es einzigartig?

Abrams: Jeder einzelne Zentimeter dieser Tour ist anders als alle anderen, an denen ich in der Vergangenheit teilgenommen habe. Dies ist erst das zweite Jahr, in dem ich überhaupt auf Tour bin, und die Gelegenheit gehabt zu haben, das Innenleben der größten Tournee der Welt so genau kennenzulernen, ist einfach das größte Glück.

Jeder, den ich im Team der Eras Tour kennengelernt habe, ist ein außergewöhnlicher Mensch. Alle sind so fleißig und so leidenschaftlich bei ihrer Rolle auf der Tour, und das allein ist inspirierend, umso mehr, wenn man erkennt, dass es ein direktes Ergebnis von Taylors Energie und Einstellung als Mensch und Führungskraft ist. Ich denke, jeder ist genauso stolz und glücklich wie ich, in irgendeiner Funktion beteiligt zu sein.

OWEN: Ich habe das Gefühl, dass jede Tour auf ihre Art einzigartig ist, aber diese ist für mich ganz sicher anders, weil ich im Hintergrund singe und nicht tanze. Ein ganz anderes Erlebnis!

beabadoobee : Die schiere Größe von allem, wie professionell Taylor ist und natürlich wie es sich anfühlte, als wären wir in ihre Welt eingetreten. Sie spielte mehr als drei Stunden und schien nicht ins Schwitzen zu kommen. Sie ist durch und durch ein Superstar und einer der nettesten Menschen an der Spitze. Es ist wirklich inspirierend zu sehen, wie sie vor 100.000 Menschen auftritt und einem trotzdem das Gefühl gibt, dass sie nur für einen spielt und singt.

Mädchen in Rot: Ich denke, der größte Unterschied liegt in der Größe des Veranstaltungsortes und darin, dass die Leute vielleicht nicht wissen, wer Sie sind. Die Leute sind da, um Taylor zu sehen, daher ist die Chemie im Publikum etwas anders und man muss sich darauf einstellen!

GAYLE: Nun, Taylor war meine erste Stadiontour überhaupt – was das Verrückteste ist, was ich je sagen konnte. Bei anderen Tourneen, an denen ich teilgenommen habe, kann ich mich noch entfernt daran erinnern, in welchem ​​Alter ich ihre Lieder gehört und mich in ihre Musik verliebt habe. Ich habe mich mit 12 in AJR verliebt. Dank meiner Mutter habe ich mich mit 10 in P!nk verliebt. Als ich 14 war, war ich von „My Chemical Romance“ besessen, und als ich etwa 15 war, hörte ich Tate McRae und ich liebte ihre Musik. Ich habe mein ganzes Leben lang von Taylor Swift gehört und es gab nie einen Punkt in meinem Leben, an dem ich sie nicht kannte und liebte.

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Teilen Sie einen besonderen Backstage-Moment – ​​alles, was lustig, albern oder unvergesslich ist.

Abrams: Ich fühle mich ehrlich gesagt so glücklich, diese Tour mit meiner Crew und Band zu machen, von denen jeder jetzt meine zweite Familie ist, die Menschen, die ich mehr als alles andere liebe und denen ich so sehr vertraue und mit denen ich so viel lache. Ich denke, dass es für uns alle wirklich lehrreich war, dass wir uns bei diesen ersten Meilensteinen gegenseitig unterstützen konnten.

OWEN: Ein ganz besonderer Backstage-Moment ist für mich, wenn ich, meine Band und mein Team im Kreis die Hände reichen und ein Gebet sprechen. Es ist ein wunderschöner Moment für mich, da wir alle miteinander verbunden sind und kurz davor stehen, auf die Bühne zu gehen.

beabadoobee : Wir konnten hinter der Bühne abhängen und einfach Spaß haben, lachen und über unsere Katzen und alles, was uns beschäftigte, reden. Sie ist die liebenswerteste Person und selbst dass sie sich die Zeit genommen hat, bedeutet mir viel.

Mädchen in Rot: Ich denke, der unvergesslichste Teil der Tour ist, abgesehen davon, dass ich meine Show gespielt habe, dass ich Taylor ihre Show spielen sehen durfte. Nach meiner Show bereite ich mich darauf vor, ihr den Auftritt meines Lebens zuzusehen, und es fühlt sich an, als befände ich mich in einer ganz besonderen Zeit meines Lebens. Ich freue mich sehr, hier zu sein.

GAYLE: Vor und nach dem Auftritt auf der Bühne wird mir sehr schlecht, und als ich einmal von der Bühne ging, musste ich mich überall übergeben. Der Mülleimer stand leider genau dort, wo Phoebe Bridgers die Bühne betrat, also wünschte ich ihr und ihrer Band viel Glück, während ich mich übergeben musste.

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Was haben Sie gelernt, als Sie Taylors Show gesehen haben? Welches Lied haben Sie live am liebsten gehört oder welchen unvergesslichen Moment haben Sie auf der Bühne erlebt?

Abrams: Taylors Show zu sehen ist, als würde man einem Olympioniken zusehen. Taylors Show anzusehen ist auch so, als würde man in einem winzigen Raum sitzen und Geheimnisse mit seinem besten Freund teilen. Ihre Show strahlt eine Stärke und Sensibilität aus, die anders ist als alles, was ich jemals in meinem Leben gesehen oder gehört habe, außer dass ich sie als Freundin kenne.

Sie ist eine ebenso seltene Person wie Künstlerin und Performerin. Ich denke, die weltweit am weitesten verbreitete Meinung ist derzeit, dass Taylors Show die beste in der Geschichte der Zeit ist. Zu beobachten und zu studieren, wie sie sich völlig beherrschen kann, während sie gleichzeitig diese Stadien von so vielen Zehntausenden trägt, die schluchzen, tanzen, lachen und schreien, ist einfach unvorstellbar, bis man das Glück hat, es selbst zu sehen .

OWEN: Ich habe tatsächlich ein paar Lieblingssachen. Wenn Taylor die 1989er- und Reputation-Ära durchläuft, habe ich Rückblenden auf diese Tourneen, von den Erinnerungen mit ihr und den Tänzern bis hin zur eigentlichen Choreografie, das ist so nostalgisch!

Und die Eröffnung der Eras Tour! „Miss Americana & the Heartbreak Prince“ ist tatsächlich einer meiner Lieblingssongs von Taylor, also ist das immer ein Genuss.

beabadoobee : Ich denke, der größte Vorteil ist, ihr großartiges Songwriting zu hören. Sie hat wirklich ein Händchen dafür, unglaubliche Lieder zu machen und Geschichten zu erzählen, sie ist so direkt mit ihren Worten und ihrer Auswahl an Texten, das liebe ich persönlich!

Es war überwältigend, ihr dabei zuzusehen, wie sie jede Ära durchlief und alles auf den Punkt brachte – alle Kostümwechsel, die schauspielerischen und theatralischen Elemente der Show und natürlich ihre wahnsinnige Ausdauer, jeden Abend mehr als drei Stunden durchzuhalten. So etwas habe ich noch nie gesehen.

Mein Lieblingsmoment muss sein, als sie mir „Our Song“ widmete und es dann am ersten Abend spielte. Dieses Lied bedeutet mir so viel und ich habe vor einiger Zeit in einem Interview erwähnt, dass es mein Klingelton war, als ich jünger war und meine Kindheit geprägt hat. Es war fantastisch!

Mädchen in Rot: Ich habe so viel gelernt, als ich ihren Auftritt gesehen habe, aber ich denke, was mir am meisten auffällt, ist, wie perfekt die Show ist und wie sie Taylor als Künstlerin wirklich widerspiegelt. Sie hat all diese schöne und fantastische Musik geschaffen und jetzt die unterhaltsamste Show gemacht. Ich bin von ihrer Arbeitsmoral so begeistert und sie gibt sich wirklich Mühe – und deshalb ist sie die Beste.

GAYLE: „Cruel Summer“ ist ein Hit und das Beste überhaupt! Auch „My Tears Ricochet“ bringt mich um, aber auch „Champagnerprobleme“, aber auch „Bejeweled“. Außerdem war es eine Ikone, Ice Spice und Taylor dabei zuzusehen, wie sie gemeinsam „Karma“ spielten!

Ich habe gelernt, dass Taylor Swift ein Biest ist und das Unmögliche schaffen kann – drei Tage hintereinander dreieinhalb Stunden lang und mehrere Wochenenden hintereinander zu singen. Sie taktet wunderbar und die Art und Weise, wie sie ihre Setlist abstimmt, ist erstaunlich. [Sie] ist vom Anfang bis zum Ende fesselnd.

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Foto: Jemal Countess/WireImage für Songwriter's Hall of Fame

Besonderheit

„Speak Now“, das dritte Album von Taylor Swift, das den „Taylor's Version“-Schriftzug erhielt, ist nicht nur eine Zeitkapsel für den Superstar – es war der Wendepunkt für sie sowohl persönlich als auch beruflich.

Als Taylor Swift mit der Arbeit an ihrem dritten Album begann, wusste sie, dass alle Augen auf sie gerichtet waren. Die Sängerin hatte ihren Status als echter Country-Pop-Superstar dank ihrer zweiten LP „Fearless“ aus dem Jahr 2008 gefestigt, die Swift ihre ersten vier GRAMMYs einbrachte, darunter „Album des Jahres“. In der Zwischenzeit war ihr Privatleben ununterbrochen zum Thema der Boulevardzeitungen geworden; Kritiker stellten sie als eine männerverrückte Menschenfresserin dar, die bereit ist, Ex-Partner zu zerkauen, um Erfolge zu erzielen.

Während sich ihre ersten beiden Platten hauptsächlich um romantische Tagträume und die Jugend in einer Kleinstadt drehten, bedeutete Swifts neuer Bekanntheitsgrad, dass ihre nächste Musikgruppe hochkarätigere Themen beinhalten würde. Wie zum Beispiel der Rapper, der bei den MTV Video Music Awards 2009 versucht hatte, sie vor der ganzen Welt zu demütigen. Oder das Hollywood-Starlet, von dem sie überzeugt war, dass es ihren Popstar-Freund gestohlen hatte. Oder der Kritiker, der ihr in seinem bekannten Branchenblog einen besonders heftigen Seitenhieb verpasst hatte. All diese Momente drehten sich um ein gemeinsames Thema: sich zu Wort melden, ihre Wahrheit sagen. Und das Ergebnis war Speak Now.

„Diese Lieder bestehen aus Worten, die ich nicht gesagt habe, als der Moment direkt vor mir war“, schrieb Swift in den Liner Notes der LP. „Diese Lieder sind offene Briefe. Jedes ist für eine bestimmte Person geschrieben und sagt ihr, was ich ihr persönlich sagen wollte.“

Swifts Speak Now-Ära begann offiziell im August 2010, als sie „Mine“ als Lead-Single des Albums veröffentlichte. Die Veröffentlichung wurde um zwei Wochen beschleunigt, nachdem der Song im Internet durchgesickert war, aber selbst mit einer früheren Veröffentlichung als geplant bewies der Star sofort, dass sie ihre Songkunst über die Highschool-Flure und Teenagermärchen ihrer ersten beiden Alben – a Reifegrad, der Speak Now durchdrang.

„Mine“ erzählte eine ganz andere Art von Liebesgeschichte, eine, die sich direkt mit der entmutigenden Realität des Erwachsenseins auseinandersetzte. Anstelle der hoffnungslosen Romantik, die Fans aus früheren Hits wie „Love Story“ und „You Belong With Me“ kennengelernt hatten, positionierte sich Swift als abgestumpfte Protagonistin im Zentrum der Geschichte, deren Mauern nur durch dieses Neue, Erwachsenwerden eingerissen werden -up Art von Liebe.

„Mine“ wurde ihr vierter Top-5-Hit in den Billboard Hot 100 und enthielt auch eine besonders makellose Wendung im Refrain – „You made a rebell of a careless man's vorsichtige Tochter“ – die bis heute einer der erfolgreichsten Hits der Welt ist beste Beispiele für Swifts messerscharfes Talent, den perfekten Text zu verfassen.

Der Rest von „Speak Now“ – den Swift ganz allein als Mikrofon-Drop gegen Kritiker geschrieben hat – erwies sich als ebenso brillant. Swift hatte eine neue Ebene ihrer Songwriting-Fähigkeiten freigesetzt; Sie tauchte nicht nur tiefer in die unverhüllte Ehrlichkeit ihres tagebuchartigen Stils ein, sondern deutete auch die skurrile Erzählweise an, die auf zukünftigen Alben, insbesondere der Folklore der 2020er Jahre und darüber hinaus, zu erwarten sein würde. Vor allem aber zeigte Speak Now, dass Swift nie wieder etwas unausgesprochen lassen würde.

Swifts Entwicklung als Songwriterin spiegelte ihren wachsenden Erfolg wider: Bei der Veröffentlichung im Oktober 2010 verkaufte „Speak Now“ in der ersten Woche atemberaubende 1.047.000 Exemplare. Die siebenstellige Verkaufszahl verdoppelte fast die Bilanz von Fearless in der Eröffnungswoche von 592.300 und war das erste Album seit mehr als zwei Jahren, das in der ersten Woche die Millionenauflage erreichte. (Dieser Erfolg war auch ein Vorgeschmack auf die Rekorde, die Swift mit ihren nachfolgenden Veröffentlichungen brechen würde, zuletzt mit ihrem rekordverdächtigen zehnten Album „Midnights“.)

Bei fast jedem Titel auf „Speak Now“ suchten Fans und die Presse nach Hinweisen darauf, wer Empfänger von Swifts offenen Briefen war. Es gibt „Back to December“, eine Trennungsballade, die für Taylor Lautner geschrieben wurde, und „Better Than Revenge“, eine herablassende Kritik an Camilla Belle, weil sie ihre Romanze mit Joe Jonas „sabotiert“ hat. Sie bot Kanye West nach ihrem viralen VMAs-Moment in der Downtempo-Ballade „Innocent“ sogar überraschend viel Anmut.

Das wohl am meisten diskutierte Speak Now-Thema war (und ist) John Mayer, dessen zwei Songs sich direkt an ihn richteten: die Pop-Punk-geladene Single „The Story of Us“ und „Dear John“, eine verheerende Abwandlung von ihr Altersunterschied von 12 Jahren. Letzterer ahmte sogar Mayers typische Bluesgitarre nach, als Swift jammerte: „Lieber John, ich sehe jetzt alles, es war falsch/ Glaubst du nicht, dass 19 zu jung ist/ Um von deinen dunklen, verdrehten Spielen gespielt zu werden, als ich dich so liebte?“ / Ich hätte es wissen sollen."

Der vielleicht siegreichste Moment aus Taylors Speak Now-Ära kam jedoch von „Mean“. Das von Banjo geprägte Lied diente dem Kritiker Bob Lefsetz, der Swifts Auftritt bei den GRAMMYs 2010 mit Stevie Nicks öffentlich verspottet hatte, nur wenige Stunden bevor sie zum ersten Mal als „Album des Jahres“ ausgezeichnet wurde, als köstlich-twangiger Rückschlag.

„Mean“ gewann nicht nur den Preis für den besten Country-Song und die beste Country-Solo-Darbietung bei den GRAMMYs 2012, sondern Swift hatte auch das letzte Wort, indem er die Single während der Zeremonie aufführte. Im letzten Refrain landete Swift ihren Knock-out-Schlag – die Musik verstummte komplett, als sie triumphierend verkündete: „Aber eines Tages werde ich das bei den GRAMMYs singen/ Und alles, was du jemals sein wirst, ist gemein.“

Fast 13 Jahre nach der ersten Veröffentlichung von Speak Now steht Swift nun kurz davor, ihrem geliebten dritten Album die mit Spannung erwartete Neuveröffentlichung von Taylor's Version zu geben – passenderweise das dritte Projekt nach Fearless und Red, das im Rahmen ihrer geschichtsträchtigen Suche neu aufgenommen wurde ihr Lebenswerk zu besitzen.

Die neue Ausgabe von Speak Now enthält alle 14 Titel der Original-LP sowie die sechste Single „Ours“ und den Deluxe-Titel „Superman“. (Obwohl „If This Was a Movie“ im März zur Feier des Beginns der Eras-Tour veröffentlicht wurde, wurde es auf mysteriöse Weise von der Trackliste (Taylor's Version) gestrichen.) Es wird außerdem sechs erstklassige Tracks aus dieser Ära enthalten, darunter Kollaborationen mit Hayley Williams von Paramore („Castles Crumbling“) und Fall Out Boy („Electric Touch“), zwei Acts, von denen Swift sagte, sie hätten „mich als Texterin am stärksten beeinflusst“, als sie 2010 das Album aufnahm.

Als einzige LP in ihrer mittlerweile 10 Alben umfassenden Diskografie, die ausschließlich aus Swifts Feder stammt, nimmt „Speak Now“ zweifellos einen besonderen und einsamen Platz im Herzen des Superstars ein. Als sie auf das Album zurückblickte, nachdem sie die Veröffentlichung von Taylor's Version bei ihrem ersten Stopp auf der Nashville Eras Tour angekündigt hatte, machte sie deutlich, dass es in den letzten 13 Jahren nur noch an Bedeutung gewonnen hat.

„Ich habe Speak Now zum ersten Mal komplett selbst geschrieben, als ich 18 bis 20 Jahre alt war“, schrieb sie in einem Social-Media-Beitrag, in dem sie das Album ankündigte. „Die Lieder aus dieser Zeit meines Lebens waren geprägt von brutaler Ehrlichkeit, ungefilterten tagebuchartigen Geständnissen und wilder Wehmut. Ich liebe dieses Album, weil es eine Geschichte vom Erwachsenwerden, vom Umherflattern, Fliegen und Abstürzen erzählt … und vom Leben, um darüber zu sprechen.“ ."

10 Alben über Scheidung und Herzschmerz, von „Rumours“ von Fleetwood Mac bis zu „Chemistry“ von Kelly Clarkson

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Liste

Vom mit Spannung erwarteten „Barbie“-Soundtrack bis hin zur Feier von Joni Mitchells legendärer Rückkehr zum Newport Folk Festival – schauen Sie sich 15 Alben an, die diesen Juli erscheinen.

Das erste Halbjahr 2023 liegt bereits hinter uns, aber der Juli gibt uns viel Anlass zur Vorfreude. Die warme Sonne, Tourneen und Festivals in Hülle und Fülle und eine Menge aufregender Veröffentlichungen – von Country-Musik von Colter Wall bis hin zu K-Pop von NCT DREAM – werden diese Saison sicherlich noch spezieller machen.

Wir beginnen mit Taylor Swift und ihrem dritten neu aufgenommenen Album „Speak Now (Taylor's Version)“ am 7. Juli, am selben Tag, an dem Pitbull mit seinem zwölften Studioalbum „Trackhouse“ zurückkehrt. Post Malone wird seine vierte LP, AUSTIN, abliefern und Blur kehrt mit ihrem ersten Album seit acht Jahren zurück. Und für die Liebhaber klassischer Musik wird Folk-Legende Joni Mitchell „At Newport“ veröffentlichen – eine Aufnahme ihres ersten Live-Auftritts seit 2015 – und Rock-Experte Stevie Nicks wird ihr Complete Studio Albums & Rarities-Boxset veröffentlichen.

Um die zweite Jahreshälfte voller großartiger Musik zu begrüßen, bietet GRAMMY.com einen Leitfaden zu den 15 Alben, die man unbedingt hören sollte, die im Juli 2023 erscheinen.

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Fans von Taylor Swift sind es gewohnt, Hinweise zu sammeln und Rätsel über die komplexe, ständig wachsende Diskografie der Sängerin zu lösen. Als sie bei einem Konzert in ihrer Heimatstadt Nashville im vergangenen Mai ankündigte, dass Speak Now (Taylor's Version) am 7. Juli erscheinen würde, war das für das Publikum keine große Überraschung, sondern vielmehr eine erfreuliche Bestätigung, dass sie sich an die Richtigkeit gehalten hatten Schritte.

„Es ist meine Liebessprache mit euch. Ich plane. Ich intrigiere. Ich plane. Und dann kann ich euch davon erzählen“, sagte Swift ihnen, nachdem er die Nachricht bekannt gegeben hatte. „Ich denke, anstatt dass ich darüber spreche … zeige ich es dir lieber“, fügte sie hinzu, bevor sie eine Akustikversion von Speak Nows Single „Sparks Fly“ aufführte.

Kurz darauf postete sie es auf Instagram und teilte mit, dass „die Songs, die aus dieser Zeit meines Lebens stammen, von brutaler Ehrlichkeit, ungefilterten tagebuchartigen Geständnissen und wilder Wehmut geprägt waren. Ich liebe dieses Album, weil es eine Geschichte vom Erwachsenwerden und vom Um sich schlagen erzählt.“ , fliegen und abstürzen … und leben, um darüber zu sprechen.“

Speak Now (Taylor's Version) ist Swifts drittes neu aufgenommenes Album nach Red (Taylor's Version) aus dem Jahr 2021. Es wird 22 Titel enthalten, darunter sechs unveröffentlichte „From the Vault“-Songs und Features mit Paramores Hayley Williams und Fall Out Boy. „Da es bei „Speak Now“ nur um mein Songwriting ging, habe ich beschlossen, zu den Künstlern zu gehen, von denen ich glaube, dass sie mich damals als Texter am stärksten beeinflusst haben, und sie zu bitten, auf dem Album zu singen“, teilte sie auf Twitter mit. Swift tourt derzeit mit ihrer gefeierten The Eras Tour durch die USA, die bis August 2024 Lateinamerika, Asien, Australien, Großbritannien und Europa besuchen wird.

„Ich möchte, dass die Platte nützlich ist“, sagte ANOHNI über ihr bevorstehendes sechstes Studioalbum „My Back Was A Bridge For You To Cross“. Die englische Sängerin sagt, sie habe mit ihrer vorherigen LP, „HOPELESSNESS“ aus dem Jahr 2016, gelernt, dass sie „einen Soundtrack liefern kann, der Menschen in ihrer Arbeit, in ihrem Aktivismus, in ihren Träumen und Entscheidungen stärken könnte“, weshalb sie sich zum Ziel gesetzt hat, ihre Talente zu nutzen um Menschen weiter zu helfen und zu inspirieren.

In 10 Titeln, die amerikanischen Soul, britischen Folk und experimentelle Musik verbinden, verwebt ANOHNI ihre Geschichten über Ungleichheit, Entfremdung, Privilegien und mehrere andere Themen. Laut einer Erklärung war der kreative Prozess „mühsam, aber auch inspiriert, freudig und intim, eine Erneuerung und Umbenennung ihrer Reaktion auf die Welt, wie sie sie sieht.“

„My Back Was A Bridge For You To Cross“ „demonstriert die einzigartige Fähigkeit der Musik, konkurrierenden, manchmal widersprüchlichen Elementen Harmonie zu verleihen“ – Eigenschaften, die in den kontemplativen Vorabveröffentlichungen des Albums „It Must Change“ und „Sliver Of Ice“ beobachtet werden können.

Der Grammy-prämierte Sänger/Rapper Pitbull hat kürzlich seine Reichweite auf ein unerwartetes Feld ausgeweitet: Stock Cars. Zusammen mit dem Gründer der Trackhouse Entertainment Group, Justin Marks, gründete er 2021 Trackhouse Racing, eine Organisation und ein Team, die an der NASCAR Cup Series teilnehmen.

Um nun beide Leidenschaften zu vereinen, veröffentlicht der in Miami geborene Sänger Trackhouse, sein zwölftes Studioalbum und die erste Veröffentlichung seit Libertad 548 aus dem Jahr 2019. „Dies ist in keiner Weise, in keiner Form oder Form eine Art Werbegag“, sagte Mr. Worldwide des kommenden Albums während einer Telefonkonferenz im April. „Das ist real. Hier geht es darum, dass unsere Geschichten zusammenkommen, und deshalb lieben es die Fans. […] Hier geht es darum, Geschichte zu schreiben, es ist generationsübergreifend, es geht darum, ein Vermächtnis zu schaffen.“

Den vorangegangenen Singles „Me Pone Mal“ mit Omar Courtz und „Jumpin“ mit Lil Jon scheint es, dass Trackhouse trotz seiner innovativen Gründung Pitbulls berühmte Latin-Pop-Marke weiter vorantreiben wird. Diesen Herbst wird er außerdem Enrique Iglesias und Ricky Martin auf der Trilogy Tour durch die USA und Kanada begleiten.

Auch der vielseitige Sänger, Songwriter und Schauspieler Dominic Fike reiht sich in die Liste der Sommer-Comebacks ein. Sein zweites Studioalbum „Sunburn“ erscheint am 7. Juli und folgt auf das gefeierte „What Could Possably Go Wrong“ aus dem Jahr 2020.

In den letzten Jahren erlangte der Star aus Florida große Aufmerksamkeit, nachdem er eine Rolle in der HBO-Erfolgsserie „Euphoria“ sowie im kommenden A24-Drama „Earth Mama“ bekam, das am selben Tag wie „Sunburn“ in die Kinos kommen soll. Die letzten drei Jahre waren auch von der Zusammenarbeit mit einer Handvoll Künstlern geprägt, von Justin Bieber („Die For You“) über Paul McCartney („The Kiss of Venus“) bis hin zu seinem Euphoria-Co-Star Zendaya bei „Elliot’s Song“. Soundtrack der Show.

Sunburn markiert Fikes freudige Rückkehr zur Musik und zielt darauf ab, „die schmerzhaften und verletzlichen Offenbarungen eines jungen Künstlers darzustellen, der immer noch wächst und sein Bestes gibt“, heißt es in einer Pressemitteilung. In 15 Titeln, darunter die Singles „Dancing in the Courthouse“, „Ant Pile“ und „Mama’s Boy“, wird Fike Themen wie „Herzschmerz und Bedauern, Sucht, Sex und Eifersucht“ erforschen.

Eine Woche nach Sunburns Ankunft wird Fike eine Tour durch Nordamerika und Kanada beginnen, die am 13. Juli in Indianapolis beginnt.

Lauren Spencer Smith sagte auf TikTok, dass sie seit Jahren an ihrem Debütalbum Mirror arbeite. „Es hat mich durch so viel in meinem Leben begleitet, durch die Höhen und Tiefen, und es bedeutet mir mehr, als ich in Worte fassen kann. Es erzählt eine Geschichte der Besinnung, Heilung und des Wachstums“, fügte sie hinzu.

Die 19-jährige, in Großbritannien geborene kanadische Sängerin hat keine Angst davor, tief in Kummer und Kummer einzutauchen – wie sie es in ihrem Durchbruchshit „Fingers Crossed“ zeigte –, bietet aber einen Ausweg, indem sie sich auf ihr Wachstum konzentriert. „Ich habe eine schwere Trennung durchgemacht, und das Album erzählt die Geschichte davon, die Reise davon und jetzt, in einer glücklicheren Beziehung zu sein. Der Titel stammt von der einen Sache in meinem Leben, die mich auf dieser Reise in jeder Emotion gesehen hat.“ – mein Schlafzimmer- und Badezimmerspiegel.“

Wie eine echte Generation Zer hat Smith die 15-Track-Sammlung und die bevorstehende Welttournee in allen sozialen Medien angepriesen. Am 14. Juli, dem Tag der Veröffentlichung des Albums, startet sie die Nordamerika-Etappe der Tour in Chicago, bevor sie nach Großbritannien, Europa, Australien und Neuseeland aufbricht.

„Auf den hohen und einsamen Ebenen sieht man vielleicht tagelang keine Seele. Die große Lücke muss man mit kleinen Liedern füllen“, singt Colter Wall im Titelsong seines vierten Studioalbums „Little Songs“. Der kanadische Country-Star sagt in einer Pressemitteilung, dass er diese Songs in den letzten drei Jahren geschrieben habe und dass „ich die meisten davon von zu Hause aus geschrieben habe und ich denke, dass die Songs das widerspiegeln.“

Wall wurde in den Prärien von Battle Creek, Saskatchewan, geboren und wuchs dort auf. Er ließ sich von der Stille seiner Umgebung inspirieren. Mit diesem Album schlägt er „eine Brücke zwischen der heutigen Welt und den Werten, Nöten und Feierlichkeiten des ländlichen Lebens“ und eröffnet gleichzeitig „emotionale Wendungen, die so reif und ermutigend sind wie die klangvolle Baritonstimme, die sie schreibt“, heißt es in einer Pressemitteilung.

Little Songs besteht aus 10 Titeln – acht Originalen und zwei Coverversionen (Hoyt Axtons „Evangelina“ und Ian Tysons „The Coyote & The Cowboy“). Er wird die Veröffentlichung des Albums mit einem Auftritt beim Under The Big Sky Festival in Montana feiern am Wochenende der Ankunft der LP.

Die britische Sängerin Mahalia feierte am 1. Mai ihren 25. Geburtstag mit der Ankündigung ihres zweiten Albums IRL. Der R&B-Star erscheint am 14. Juli und behauptet, das Album sei „eine echte Widerspiegelung der Reisen, die ich unternommen habe, dessen, was tatsächlich passiert ist, und eine Hommage an alle, die mich dorthin gebracht haben“.

Die 13 Titel umfassende Sammlung wird Namen wie Stormzy und JoJo enthalten, wobei letzterer auf der Single „Cheat“ zu hören ist. Vor der Veröffentlichung teilte Mahalia auch „Terms and Conditions“, einen selbstbewussten Track, der ihre seidige Stimme mit entzückendem R&B der frühen Kindheit verbindet.

„Ich bin so stolz auf dieses Album und so stolz darauf, wie sehr ich mich selbst herausgefordert habe, diese Geschichten einfach rauszulassen“, sagte sie in einer Erklärung. „Wir sind alle darauf fixiert, wie wir uns verbessern können, aber ich möchte, dass sich die Menschen auch an schöne oder schmerzhafte Situationen erinnern, die sie durchlebt haben, und wie sie dazu beigetragen haben, die Menschen zu formen, die sie jetzt sind.“

IRL ist Mahalias Nachfolger des hochgelobten „Love and Compromise“ aus dem Jahr 2019. Zur Unterstützung der Veröffentlichung hat sie Tourdaten für Großbritannien und Europa von Oktober bis November bekannt gegeben.

Der Myers-Briggs-Persönlichkeitstest (auch bekannt als MBTI) ist in Südkorea ein aktueller Trend, daher war es nur eine Frage der Zeit, bis eine K-Pop-Gruppe seine Erkenntnisse auf ihre Musik anwenden würde. Obwohl keines der sieben Mitglieder von NCT DREAM den ISTJ-Persönlichkeitstyp hat, haben sie beschlossen, ihr kommendes drittes Studioalbum, das am 17. Juli erscheint, so zu nennen.

Die 10-Titel-Sammlung ist in zwei physischen Versionen erhältlich: Introvertiert und Extrovertiert, die Anfangsbuchstaben und Hauptunterscheidungsmerkmale jeder MBTI-Persönlichkeit. Angeführt von den mitreißenden „Broken Melodies“, bei denen sie einen beeindruckenden Gesangsstil zeigen, verspricht ihre Comeback-Ankündigung auf Twitter „den Einfluss, den NCT DREAM auf die Musikindustrie haben wird.“

Seit September startete die NCT-Untergruppe die „The Dream Show 2: In A Dream World Tour“, die Asien, Europa und Nordamerika durchquerte. Die Gruppe wird den Juli mit vier Konzerten in Lateinamerika abschließen.

„Je älter und verrückter wir werden, desto wichtiger wird es, dass das, was wir spielen, voller Emotionen und Absichten ist“, sagte Blurs Gitarrist Graham Coxon in einer Erklärung zu The Ballad of Darren, dem neunten Studioalbum der Band, das im Juli erscheinen soll 21.

Vielleicht erklärt das, warum The Ballad ihre erste Veröffentlichung seit acht Jahren ist und laut Frontmann Damon Albarn „ein Nachbebenalbum, eine Reflexion und ein Kommentar dazu darstellt, wo wir uns jetzt befinden“. Während einer Pressekonferenz im Mai bekräftigte Bassist Alex James den positiven Moment, in dem sie sich befinden, und erklärte, dass es während der gemeinsamen Aufnahmen „Momente völliger Freude“ gegeben habe.

Das von James Ford produzierte Album enthält 10 Titel, darunter den wehmütigen Indie-Rock der Lead-Single „The Narcissist“. Am 8. und 9. Juli wird Blur zwei Reunion-Gigs im Londoner Wembley-Stadion spielen, gefolgt von einer Reihe von Festivals in Europa, Japan und Südamerika.

Der am meisten erwartete Sommerfilm des Jahres 2023 verfügt außerdem über einen atemberaubenden Soundtrack. Barbie: The Album wurde von den Produzenten Mark Ronson und Andrew Wyatt vertont und enthält Songs von angesagten Stars wie Dua Lipa, Lizzo und Ice Spice sowie einige überraschende Ergänzungen wie den Psychedelic-Star Tame Impala und die K-Pop-Rookie-Sensation Fifty Fifty.

So unentschlüsselbar und verführerisch wie die eigentliche Filmhandlung, steigert die Tracklist des Albums nur die Erwartungen an Greta Gerwigs kommendes Werk. Ist das alles eine Satire? Ist es eine ernsthafte Auseinandersetzung mit dem „Leben in Plastik“ und dem Konsumismus? Geht es um gar nichts? Sie können versuchen, anhand der Vorab-Singles „Dance the Night“ von Dua Lipa, „Watati“ von Karol G und „Angel“ von PinkPantheress einige Hinweise zu finden.

Fans, die diesen März die drei letzten Shows von Greta Van Fleets Dreams in Gold Tour besuchten, bekamen bereits einen ersten Blick auf das kommende dritte Studioalbum der Band, Starcatcher. Zu ihren beliebtesten Hits zählte das Quartett, das fünf neue Songs – oder die Hälfte von Starcatcher – spielte, darunter die Singles „Meeting the Master“, „Sacred the Thread“ und „Farewell for Now“.

In einer Erklärung zum Album sagte Schlagzeuger Danny Wagner, dass sie „diese Geschichten erzählen wollten, um ein Universum aufzubauen“ und dass sie „Charaktere und Motive und diese Ideen vorstellen wollten, die hier und da im Laufe unserer Karriere entstehen würden“. Bassist Sam Kiszka fügt hinzu: „Wenn ich mir die Welt von Starcatcher vorstelle, denke ich an den Kosmos. Da stelle ich viele Fragen, zum Beispiel ‚Wo kommen wir her?‘ oder „Was machen wir hier?“ Aber es geht auch um Fragen wie: „Was ist dieses Bewusstsein, das wir haben, und woher kommt es?“

Nur wenige Tage nach der Veröffentlichung geht Greta Van Fleet auf Welttournee. Sie starten am 24. Juli in Nashville, Tennessee, durchqueren die USA und reisen dann im November nach Europa und Großbritannien.

In einem hemdlosen, lässigen Instagram-Reel im vergangenen Mai kündigte Hitmacher Post Malone sein kommendes viertes Studioalbum AUSTIN an, das am 28. Juli erscheinen soll. Betitelt nach seinem Geburtsnamen, teilte der Sänger mit: „Es war einige der witzigsten Musikstücke, einige von ihnen.“ zumindest für mich die anspruchsvollste und lohnendste Musik“ – eine ganz andere Stimmung als die sanfteren Lofi-Klänge von Twelve Carat Toothache aus dem Jahr 2022 – und dass das Erlebnis, bei jedem Song Gitarre zu spielen, „wirklich Spaß“ gemacht habe.

Mit 17 Titeln (19 in der Deluxe-Version) geht AUSTIN das verträumte „Chemical“ und das angstvolle „Mourning“ voraus und zeigt, wie Malone seine Grenzen überschreitet, um seinen etablierten Sound weiterzuentwickeln. Das Album wird auch von einer 24-Tage-Tournee in Nordamerika begleitet, der If Y'all Weren't Here, I'd Be Crying Tour, die am 8. Juli in Noblesville, Indiana, beginnt und am 19. August in San Bernardino, Kalifornien endet .

Den Beitrag von Stevie Nicks zur Musik zu messen, ist eine unüberwindbare Aufgabe. Die Sängerin und Songwriterin von Fleetwood Mac hat Dutzende der einflussreichsten und bekanntesten Rockklassiker des vergangenen Jahrhunderts („Dreams“, irgendjemand?) komponiert und blühte seit 1981, als sie mit Bella Donna debütierte, auch als Solistin auf.

In den vier Jahrzehnten seitdem folgten sieben weitere Soloalben sowie eine Fülle von Raritäten, die zu Recht einen Moment im Rampenlicht verdienen. Mit dabei: ihr kommendes Vinyl-Boxset „Stevie Nicks: Complete Studio Albums & Rarities“. Die 16xLP-Sammlung umfasst ihr gesamtes bisheriges Werk sowie eine neue Platte mit den oben genannten Raritäten und ist auf 3.000 Exemplare limitiert. Es ist auch das erste Mal, dass Trouble in Shangri-La, In Your Dreams und Street Angel auf Vinyl veröffentlicht werden. Für diejenigen, die sich das limitierte Set nicht sichern können, wird eine Version von Complete Studio Albums & Rarities mit 10xCDs digital erhältlich sein.

Das Newport Folk Festival im letzten Jahr in Rhode Island war unvergesslich. An einem Abend des Festivals beehrte ein Überraschungsgast die „Brandi Carlile and Friends“-Bühne: Es war kein Geringerer als der legendäre Folk-Star Joni Mitchell. Und außerdem? Es war ihr erster Live-Auftritt seit 2015, als sie an einem kräftezehrenden Aneurysma litt.

Während dieser Zeit veranstaltete die 79-jährige Sängerin in aller Stille „Joni Jams“ in ihrem Haus in Los Angeles und lud Musiker von Elton John bis Harry Styles zur Teilnahme ein – mit organisatorischer Unterstützung von Carlile. Mit Mitchells besonderem Auftritt in Newport wurde Tausenden von Fans das begehrte Erlebnis eines Joni Jam geboten.

Diesen Monat verewigt die Veröffentlichung von „At Newport“ den Moment, als sie Schlagzeilen machte, und macht ihre Talente einem noch größeren Publikum zugänglich. Zu den Klassikern in der Tracklist gehören „Carey“, „A Case of You“ und „The Circle Game“, was beweist, dass Mitchell immer noch genauso magisch ist wie damals, als sie 1969 zum ersten Mal die Bühne des Newport Folk Festival betrat.

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Im Jahr 2002 war J.Lo überall. Ihre Beziehung mit dem Schauspieler Ben Affleck erregte große Aufmerksamkeit in den Medien, und ihr Album „This Is Me… Then“ – das Hits wie „Jenny from the Block“ enthielt – war ein kommerzieller Erfolg und verkaufte sich in der ersten Woche in den USA über 300.000 Mal

Wie lustig ist es, dass sich die Sängerin und Schauspielerin 20 Jahre später in einer ähnlichen Situation befindet. Nachdem sie 2021 mit Affleck wieder zusammengekommen war, kündigte sie die Fortsetzung ihrer 2002 erschienenen Veröffentlichung „This Is Me… Now“ an und erklärte in einem Interview mit Vogue, dass das Album einen „Höhepunkt“ ihrer Persönlichkeit darstellt.

Eine Pressemitteilung beschreibt This Is Me… Now auch als eine „emotionale, spirituelle und psychologische Reise“ durch alles, was Lopez in den letzten Jahrzehnten durchgemacht hat. Fans können auch mehr Details zum neuen und verbesserten Bennifer erwarten, wie viele der Titel unter den 13 Titeln vermuten lassen, insbesondere „Dear Ben Pt. II.“

Obwohl noch kein offizieller Veröffentlichungstermin bekannt gegeben wurde, veröffentlichte Lopez am 29. Juni in den sozialen Medien ein kryptisches Bild mit der Überschrift „Album-Liefertag“ – was darauf hindeutet, dass das mit Spannung erwartete This Is Me-Update möglicherweise nicht mehr weit entfernt ist.

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